GARY GLITTER

Aos 17 anos Gary Glitter já tocava ao vivo em clubes de Londres

Com dezesseis anos Gary Glitter já estava tocando ao vivo em clubes de Londres. Sua carreira na cena do clube de Londres cresceu, seu repertório consistiu de início, do rock and roll e de baladas suaves.

Aos 18 anos, gravou seu primeiro álbum, sob o nome artístico "Paul Raven", seu primeiro single, "Alone in the Night" aconteceu em janeiro de 1960, mais sem grande sucesso.

Um ano depois, com um novo gerente, Billings Vic, ele assinou um novo contrato de gravação com Parlophone e trabalhou com o produtor George Martin, antes de Martin se associar aos The Beatles, Martin produziu dois singles, "Walk on By" e "Tower of Strength", mas também não vendeu muito bem e carreira de Paul Raven chegou a um impasse.

Como o movimento glam em pleno vapor em 1971, Raven mudou o nome para Gary Glitter, a nova carreira começou como uma música chamada "Rock and Roll, partes I e II.

Rock and Roll (Part Two) viria a ser o lado mais popular em muitos países, indo para o número dois nas paradas britânicas e alcançou o Top Ten no Estados Unidos, um dos poucos registros de glam rock britânico a ter este feito. Rock and Roll (Part One) foi sucesso principalmente na França.

Glitter lançou sua própria gravadora no início de 1990, Attitude Records, depois que perdeu seu contrato com a Virgin Records.

A partir de 1997 Glitter só apareceu em reportagens falando de sua condenação por pedofilia, em 2008 em um hospital próximo ao presidio que cumpriu pena ele foi diagnosticado com problemas do coração.

JOHNNY RIVERS Whiskey A Go Go

Johnny Rivers Whiskey A Go Go: Um Marco na História da Música Ao Vivo

O Whiskey A Go Go é um lendário clube noturno em West Hollywood, Califórnia, que tem sido um destino para músicos e fãs de música ao vivo há mais de seis décadas.

Em 1964, o jovem músico Johnny Rivers tocou no Whiskey A Go Go pela primeira vez e rapidamente se tornou um dos artistas mais populares do local. Seus shows energéticos e cheios de soul se tornaram uma sensação, e ele logo se tornou um dos nomes mais reconhecidos da cena musical de Los Angeles.

Foi em 1964 que Johnny Rivers lançou um álbum ao vivo gravado no Whiskey A Go Go, intitulado "Johnny Rivers Live at the Whiskey A Go Go".

O álbum foi gravado em duas noites consecutivas em maio de 1964 e apresentou Rivers e sua banda tocando alguns dos seus sucessos, bem como covers de músicas de outros artistas populares da época.

O álbum foi um grande sucesso e chegou ao topo das paradas de sucesso da Billboard. Ele também se tornou um marco na história da música ao vivo, mostrando a energia e o entusiasmo que os artistas podiam trazer para o palco.

Foi um exemplo pioneiro do que hoje é comum na indústria da música, com inúmeros artistas gravando álbuns ao vivo em clubes noturnos e locais de música em todo o mundo.

As performances de Rivers no Whiskey A Go Go são lendárias. Ele era conhecido por sua habilidade em misturar estilos musicais e por sua paixão pela música soul e rhythm and blues.

Suas interpretações de músicas como "Memphis, Tennessee", "Maybellene" e "Midnight Special" são exemplos da sua habilidade em transformar músicas populares em algo novo e empolgante.

A banda de Rivers também foi fundamental para o sucesso do álbum. Seus músicos habilidosos, incluindo o lendário guitarrista James Burton, criaram uma base sólida para as performances energéticas de Rivers.

A interação entre Rivers e sua banda é evidente no álbum, com momentos de improvisação e mudanças inesperadas nas músicas.

O legado de Johnny Rivers e seu álbum ao vivo gravado no Whiskey A Go Go continua a influenciar músicos e fãs de música ao vivo até hoje.

O álbum é um exemplo da energia e do entusiasmo que um artista pode trazer para o palco, e a habilidade de Rivers em misturar estilos musicais continua a ser uma inspiração para muitos músicos.

O Whiskey A Go Go também continua a ser um marco na história da música ao vivo, com artistas de todos os gêneros musicais tocando em seu palco ao longo das décadas.

O local é um símbolo do espírito da música ao vivo e do papel vital que os clubes noturnos desempenham na cena musical.

ROGER WATERS e SINÉAD O´CONNOR

Artistas de atitude que criaram polemica e uma trajetória de sucesso

George Roger Waters nasceu em 6 de setembro de 1943 em Great Bookham, Surrey, cidade ao sul de Londres.

Waters ficou muito marcado com a mote de seu pai, Eric Fletcher Waters, na guerra, durante a invasão britânica de Anzio, na Itália. Em muitas de suas composições o tema de guerra está presente.

Sinéad O'Connor teve a vida marcada por reveses que moldaram sua personalidade e lhe marcaram para sempre. Sofreu abusos na infância, já tentou suicídio em meio a conturbada carreira.

Foi excomungada por tentar ser líder de uma seita. Sua voz doce se destaca ao mesmo tempo em que sua cabeça raspada a dá um tom de rebeldia.

O'Connor partilhou um vídeo recentemente, que dedicou às pessoas que sofrem das mesmas doenças mentais, depressão e doença bipolar.

Colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor

A colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é uma das mais interessantes e memoráveis na história da música.

Embora os dois artistas tenham estilos muito diferentes, eles encontraram um terreno comum em suas crenças políticas e sociais, o que levou a uma colaboração muito bem-sucedida.

Roger Waters é um músico britânico conhecido por sua carreira como baixista, vocalista e principal compositor da banda Pink Floyd.

Ele também é conhecido por suas opiniões políticas e sociais fortes e controversas. Sinéad O'Connor é uma cantora e compositora irlandesa conhecida por sua voz poderosa e letras profundas.

Ela também é uma ativista social e política que fala abertamente sobre questões como o feminismo e a luta pela paz na Irlanda do Norte.

A colaboração entre Waters e O'Connor começou em 1990, quando eles se encontraram pela primeira vez durante a gravação de um programa de TV.

Eles se conectaram instantaneamente por causa de suas opiniões compartilhadas sobre política e justiça social. Waters convidou O'Connor para se juntar a ele na turnê mundial "The Wall Live in Berlin", que foi realizada em comemoração à queda do Muro de Berlim.

Durante a turnê, Waters e O'Connor tocaram juntos a música "Mother", do álbum "The Wall" do Pink Floyd. A colaboração foi um grande sucesso e ajudou a consolidar a amizade entre os dois artistas.

Depois da turnê, Waters e O'Connor continuaram a colaborar, gravando juntos a música "The Last Refugee" em 2017, que foi lançada no álbum "Is This the Life We Really Want?" de Waters.

A colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é um exemplo de como a música pode unir pessoas com opiniões e crenças diferentes, mas com um objetivo comum.

Ambos os artistas usam sua música para transmitir mensagens poderosas sobre a injustiça social e política, e sua colaboração é uma forma de amplificar essas mensagens.

Além disso, a voz única de O'Connor complementa perfeitamente o estilo musical de Waters, tornando sua colaboração única e memorável.

Em resumo, a parceria entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é um exemplo notável de como a música pode transcender fronteiras e unir pessoas com ideias comuns, independentemente de suas diferenças culturais ou musicais.

É uma colaboração que deixou sua marca na história da música e continuará a ser lembrada por gerações futuras.

GLENN HUGHES conhecido com The Voice of Rock

Stevie Wonder certa vez chamou Glenn Hughes de seu cantor favorito

O vocalista, baixista e compositor Glenn Hughes é um verdadeiro original. Nenhum outro músico de rock esculpiu um estilo tão característico que combina os melhores elementos de hard rock, soul e funk.

Essa voz surpreendente é o cartão de visitas de Glenn Hughes. Ele é conhecido como cantor de cantor. Stevie Wonder certa vez chamou Hughes de seu cantor favorito.

Hughes, um nativo de Cannock, Inglaterra, absorveu todos os tipos de influências, incluindo os primeiros hard rock britânicos, os Beatles e, mais importante, soul e R & B americanos. O som elegante da Motown, de Detroit, e o gritante som Stax Volt, de Memphis, deixaram sua marca nele.

A primeira banda importante Hughes foi Trapeze. Em 1973, Hughes se juntou ao Deep Purple que na época ficou com a seguinte formação, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice, David Coverdale e Glenn Hughes.

Outra importante situação de sua carreira ocorreu quando ele começou a trabalhar com Tony Iommi, do Black Sabbath, no primeiro álbum solo do lendário guitarrista.

O resultado, Seventh Star amplamente subestimado em 1986, foi oficialmente creditado como Black Sabbath Featuring Tony Iommi para satisfazer os desejos de marketing da gravadora.

Tecnicamente, isso faz de Hughes um ex-membro do Black Sabbath também. Hughes e Iommi permaneceram amigos e, em 1996, começaram a compor músicas e gravar juntos novamente.

Essas gravações foram amplamente pirateadas, mas acabaram sendo finalizadas e lançadas em 2004 como The 1996 DEP Sessions.

Em 2010 no supergrupo BLACK COUNTRY COMMUNION com o astro da guitarra Joe Bonamassa, o tecladista Derek Sherinian, Dream Theater, e o baterista Jason Bonham, filho da falecida lenda do Led Zeppelin, John Bonham. A banda lançou seu álbum de estreia em 20 de setembro de 2010.

O álbum foi para o décimo terceiro lugar no UK Official Album Chart e primeiro lugar no UK Rock Chart Chart.

Glenn Hughes 2015 depois de sua bem-sucedida turnê do Music For The Divine na Europa em 2006, Glenn fez turnês de sucesso na Rússia, América do Sul, Itália, Noruega e Espanha, além de shows solo em Londres - no prestigiado Shepherds Bush Empire - Bulgária e Grécia.

2016 foi seu ano mais movimentado ainda, com festivais de verão e shows individuais nos EUA, Reino Unido e Europa, além disso, viu o lançamento de seu primeiro álbum solo em mais de 8 anos!

Resonate é um retorno triunfante para formar The Voice of Rock, desde o álbum de abertura, Heavy, até os últimos acordes do mais próximo, Long Time Gone, tornando-o o Álbum do Ano para muitos e um verdadeiro lançamento marco Glenn Hughes.

2017 começou com o retorno triunfante de um BLACK COUNTRY COMMUNION reunido, que imediatamente entrou em um estúdio em Los Angeles para gravar seu quarto álbum.

Logo depois, foi direto para o Reino Unido e Europa para começar sua turnê solo em apoio ao Resonate, que também contou com MALCOME BRUCE, filho de Jack Bruce, KOFI BAKER, filho de Ginger Baker e WILL JOHNS, sobrinho de Eric Clapton.

O 2018 começou com o BLACK COUNTRY COMMUNION tocando em 2 shows exclusivos esgotados no Reino Unido e em apenas alguns dias, o lançamento mundial da performance de Glenn no novo álbum de JOE SATRIANI, What Happens Next, fez sua estreia.

O resto de 2018 parece ser mais um ano movimentado com a produção ao vivo, os planos de turnê do Glenn Hughes Performs Classic Deep Purple Live confirmados, abrangendo a América do Sul, Reino Unido, Europa e além!

Informações retiradas da biografia autorizada.

Glenn Hughes - Classic Deep Purple 2018 full concert no Rio de Janeiro

PINK FLOYD no Mandolin

Shine On You Crazy Diamond e Confortably Number tocada no Mandolin

Shine On You Crazy Diamond tocada pela Mandolin Orchestra com arranjo de Mank Rüber Preema Bagger.

Syd Barrett deve esta muito feliz com este arranjo para a musica feita em sua homenagem.

O guitarrista da Orchestra fez o solo com muita competência e os mandolins mantiveram o clima original da musica.

Comfortably Numb com arranjo para orquestra feito por Bertrand Lamoureux e interpretado pela orquestra de cordas de MGR-A.-M.-Parent durante o concerto dos formandos de 2 de junho de 2011 sob a direção de Julie Lapierre.

É sensacional a parte do solo feito pelos violinistas.

THE LAURIE MORVAN BAND

A guitarrista Laurie Morvan é uma musicista altamente talentosa

The Laurie Morvan Band é um grupo americano de blues rock liderado pela guitarrista, cantora e compositora Laurie Morvan.

Com um som poderoso e dinâmico, a banda cativou o público em todo o mundo com suas performances ao vivo eletrizantes e gravações aclamadas pela crítica.

Laurie Morvan é uma musicista altamente talentosa que tem sido reconhecida por sua excepcional guitarra e vocais emotivos. Ela ganhou inúmeros prêmios, incluindo o Blues Blast Music Award de Melhor Guitarrista Feminina e o Los Angeles Music Award de Melhor Artista de Blues.

Além das c de Morvan como guitarrista e cantora, a Laurie Morvan Band apresenta um talentoso grupo de músicos que trazem seu próprio estilo e energia para o som do grupo.

A seção rítmica de Lisa Grubbs no baixo e Lonnie Jones na bateria fornece uma base sólida para o trabalho de guitarra de Morvan, enquanto o tecladista Tom Salyers adiciona uma camada de textura e melodia ao som do grupo.

Uma das características definidoras da Laurie Morvan Band é a sua capacidade de misturar vários gêneros e estilos em sua música. Embora enraizado no blues, seu som incorpora elementos de rock, funk e soul, criando um som que é familiar e fresco.

O álbum mais recente da banda, "Gravity", mostra um som eclético e musicalidade. O álbum apresenta uma mistura de músicas originais e covers, incluindo uma versão soulful de "Come Together" dos Beatles e uma versão funky de "Fire" de Jimi Hendrix.

Além de suas gravações de estúdio, a Laurie Morvan Band é conhecida por suas performances ao vivo de alta energia. Seus shows são uma mistura de músicas originais e covers, com o trabalho de guitarra de Morvan e vocais poderosos no centro da ação.

Seja tocando para uma multidão íntima ou uma arena lotada, a Laurie Morvan Band sempre oferece uma apresentação inesquecível.

UN banda de Seattle

“Sentiment” álbum da banda “UN” servirá como um sinal de gratidão

“UN” é uma banda de Doom Metal formada em junho de 2012 em Seattle, com Monte McCleery na Guitarra e Vocal, David Wright na Guitarra, Clayton Wolff no Baixo e Andrew Jamieson na Bateria.

"Sentiment" é segundo álbum da banda que foi lançado em 2018, foge do padrão de letras que abordam aspectos sombrios da morte e fala da luta pela vida e a busca pelo equilíbrio emocional para enfrentar as armadilhas dos sentimentos.

Em entrevista Monte Mccleery - Guitar & Vocals disse: “In Its Ausence” é uma música sobre a luta contra a depressão e a doença mental. É da perspectiva de uma pessoa que acredita que seria incompleta sem seus traumas emocionais e dificuldades.

Esse processo de pensamento desencadeia uma sensação de pânico na pessoa e faz com que ela recue ainda mais em si, em vez de buscar a ajuda de e apoio saudáveis.

Essa música em particular é muito pessoal para mim e eu acho que muitas outras pessoas na nossa comunidade também podem se identificar.

Empunhar, equilibrar algo tão pesado e fazê-lo com tal habilidade que faça o coração encolher em sua sombra gigante. . . É isso que monstruosamente a banda "UN de Seattle faz com uma graça de tirar o fôlego em "Sentiment", seu segundo álbum.

Em quatro músicas em pouco menos de uma hora, o "Sentiment" vai devagar, mas embala tanto emoção e esplendor que o quarteto parece ter espaço e tempo dobrados, alquimiando sua dor em uma bela e crescente tragédia fúnebre.

“Enquanto muitos de nossos contemporâneos preferem se concentrar puramente nos aspectos sombrios da mortalidade, o "Sentiment" servirá como um sinal de gratidão, apesar das lutas da vida cotidiana.

É uma coisa profundamente pessoal e íntima compartilhar sua arte com o mundo, e esperamos que todos que possuem este álbum, que ouçam essas músicas e sintam que foi escrito especificamente para eles.”

SHE'S GONNA BLOW

She's Gonna Blow, parece com uma perseguição policial destrutiva

Assim se defini She's Gonna Blow:

Um rock parecido com uma perseguição policial destrutiva, mas quando tudo está prestes a explodir mergulhamos numa viagem de morfina onírica.

Banda do Guarda District - Portugal, formada por André Vaz - Baixo, David Ferro - Vocal, Hugo Branco - Bateria e Pedro Maia - Guitarra.

Saiba mais sobre a banda em:

www.facebook.com/SHESGONNABLOW/

MOSTLY AUTUMN

Mostly Autumn influências do Genesis, Pink Floyd, e música folclórica

Mostly Autumn é uma banda de rock progressivo originária do Reino Unido, formada em 1995. Com um estilo musical único que combina elementos do rock clássico, folk e música celta.

A banda é liderada pelo casal Bryan Josh (guitarra e vocais) e Olivia Sparnenn (vocais), e conta com outros músicos talentosos em sua formação, incluindo Andy Smith (baixo), Iain Jennings (teclados) e Alex Cromarty (bateria).

As influências do grupo foram Genesis e Pink Floyd, e música folclórica. Mais tarde álbuns também incluía influências mais contemporâneas.

O primeiro álbum da banda, "For All We Shared", foi lançado em 1998 e recebeu elogios da crítica e dos fãs.

Desde então, Mostly Autumn lançou vários outros álbuns de estúdio, incluindo "The Last Bright Light" (2001), "Passengers" (2003), "Heart Full of Sky" (2006) e "White Rainbow" (2019).

Mostly Autumn tem sua própria gravadora independente e opta por financiar cada álbum. O grupo geralmente imprime uma edição limitada de cada álbum, e vende-os para cobrir os seus custos de gravação.

A versão comercial do disco é, então, disponibilizada através de distribuidores, grupo de concertos e através do seu site.

Cada um desses álbuns apresenta uma mistura única de rock progressivo, folk e outros estilos musicais, mostrando a habilidade da banda em criar músicas variadas e envolventes.

Uma das características mais marcantes da Mostly Autumn é a sua habilidade em criar atmosferas envolventes e emocionais através de suas músicas.

As letras de suas músicas muitas vezes são inspiradas por temas como a natureza, a mitologia e a espiritualidade, e combinadas com a música, criam uma experiência sonora única e emocionante.

Com uma presença de palco forte e músicos talentosos, a banda apresenta um show ao vivo envolvente e emocionante, que é um verdadeiro deleite para os fãs de rock progressivo, Mostly Autumn certamente é uma banda que vale a pena ouvir e ver ao vivo.

TOM WAITS

Tom Waits é cantor, compositor e mestre da Poesia Musical Americana

Tom Waits é um dos artistas mais icônicos e influentes da música americana.

Nascido em 1949, em Pomona, Califórnia, Tom Waits começou sua carreira como um cantor folk tradicional, mas rapidamente desenvolveu um estilo único que incorporava elementos de jazz, blues, rock e música experimental.

Tom Waits é conhecido por sua voz distinta e rouca, que ele usa para entregar letras poéticas e profundas. Suas canções muitas vezes contam histórias sobre personagens marginais, bêbados, vagabundos e outras pessoas que vivem à margem da sociedade.

Waits também é famoso por suas letras surreais e às vezes absurdas, que são frequentemente esperadas em obras de escritores como William S. Burroughs e Charles Bukowski.

Ao longo de sua carreira, Waits lançou uma série de álbuns aclamados pela crítica, incluindo "Closing Time" (1973), "Rain Dogs" (1985), "Bone Machine" (1992) e "Mule Variations" (1999).

Ele também escreveu a trilha sonora para vários filmes, incluindo "A Força do Destino" (1982) e "Drácula de Bram Stoker" (1992), e apareceu em vários filmes e programas de televisão.

Uma das coisas mais impressionantes sobre a música de Tom Waits é a sua versatilidade. Ele pode mudar facilmente de um estilo para outro, indo de baladas melancólicas para canções com influências jazzísticas, ou rock'n'roll com batidas frenéticas e riffs de guitarra selvagem.

Sua música é frequentemente descrita como um híbrido de blues, jazz, folk e rock, e é difícil rotulá-la em qualquer gênero específico.

No entanto, independentemente do estilo ou gênero em que ele se encontra, o coração da música de Waits é sempre a sua poesia e habilidade para contar histórias.

Suas letras são frequentemente enigmáticas e abertas à interpretação, mas sempre evocam imagens fortes e poderosas que ficam na mente do ouvinte.

Ao longo de sua carreira, Tom Waits ganhou vários prêmios e honrarias, incluindo o Grammy Award e a introdução no Rock and Roll Hall of Fame. Sua influência pode ser vista em uma ampla variedade de artistas, desde Nick Cave e Elvis Costello até o rapper americano Jay-Z.

JOHNNY WINTER

Johnny Winter tocou com Muddy Waters, Janis Joplin e Jimi Hendrix

Johnny Winter foi um lendário guitarrista e cantor de blues americano, conhecido por sua habilidade técnica excepcional na guitarra e seu estilo único de tocar o blues.

Johnny Winter nasceu em Beaumont, Texas, em 23 de fevereiro de 1944, e cresceu em uma família musical.

Seu pai tocava violino e sua mãe tocava piano, ele e seu irmão Edgard winter cresceram aprendendo a tocar vários instrumentos.

No entanto, Winter encontrou sua verdadeira paixão pela guitarra e rapidamente se tornou um dos melhores guitarristas de blues de sua geração.

Winter começou a tocar profissionalmente na década de 1960, tocando em clubes de blues e gravando álbuns com várias bandas.

Seu primeiro álbum solo, "The Progressive Blues Experiment", foi lançado em 1969 e apresentava seu estilo de guitarra altamente técnico e virtuoso.

Winter tornou-se famoso por seu uso de uma guitarra Gibson Firebird e sua técnica de slide, que lhe permitia tocar notas incrivelmente rápidas e limpas.

Ele continuou a gravar e se apresentar ao longo dos anos 70 e 80, lançando vários álbuns que se tornaram clássicos do blues.

Tocou também com vários outros músicos famosos, incluindo Muddy Waters, Janis Joplin e Jimi Hendrix.

No entanto, Johnny Winter lutou contra o vício em drogas e álcool durante grande parte de sua carreira, o que afetou sua saúde e impediu de alcançar todo o seu potencial como músico.

No final dos anos 90 e início dos anos 2000, ele fez um retorno surpreendente ao mundo da música, lançando vários álbuns aclamados pela crítica e ganhando uma nova geração de fãs.

Ele também continuou a se apresentar ao vivo até pouco antes de sua morte em 2014.

O legado de Johnny Winter como um dos maiores guitarristas de blues de todos os tempos é inegável.

Seu estilo único e virtuosismo técnico influenciou gerações de músicos de blues e rock.

Ele também ajudou a trazer o blues para o mainstream na década de 1970, tornando-se um ícone do rock e uma inspiração para muitos jovens guitarristas.

Winter recebeu prêmios e honrarias ao longo de sua carreira, ganhou 3 prêmios Grammy e em 1988 entrou para Blues Hall of Fame.

Seu legado musical continua a inspirar e inspirar músicos em todo o mundo, e sua música permanece como um testemunho duradouro de sua habilidade e paixão pela guitarra e pelo blues.

MONALISA TWINS

Banda das irmãs gêmeas Mona e Lisa, 1º disco aos 16 anos de idade

Elas querem continuar a tradição dos anos 60 no modo de escrever músicas, trazendo de volta o que foi iniciado anos atrás e escrever músicas modernas na tradição da música Beat dos anos 60.

Em seu álbum de estreia, When Were Together, que gravaram com apenas 16 anos, elas apresentam as melhores músicas do RocknRoll e Beat, se aventurando nos gêneros Psicodélico, Folclórico e Latino, inspirados nos gostos de Beatles, Bob Dylan ou Simon & Garfunkel.

O atual álbum, ORANGE, oferece uma abordagem mais madura, mantendo-se fiel à escrita melódica dos anos 60, muitas harmonias e toques de guitarra, este álbum se expande em tons mais psicodélicos, blues e jazzísticos.

Com 10 anos de carreira, 5 álbuns, mais de 100 videoclipes, milhões de visualizações no YouTube, dezenas de milhares de inscritos e muito sangue, suor e lágrimas depois, elas estão vivendo e trabalhando em Liverpool - UK. Com uma série de shows ao vivo na Europa, Reino Unido, EUA e Austrália.

O que elas mais se orgulham? Elas fizeram do seu jeito. Todos os vídeos que elas lançaram, todas as músicas que elas escreveram, todos os álbuns lançados por elas, todos os posts em blogs nas redes sociais e até mesmo o site delas vêm do espírito coletivo de sua pequena, mas poderosa equipe.

Isso não significa que elas não querem ou precisam da ajuda de outras pessoas, mas isso significa que elas estão dispostas a trabalhar duas ou três vezes mais para que não tenham que dar sua liberdade criativa ou valores para qualquer sucesso a curto prazo. Elas criaram seu próprio selo e levaram o DIY a um nível totalmente novo.

HUMBLE PIE

Humble Pie: uma das bandas de rock mais subestimadas da década de 1970

A banda Humble Pie foi formada em 1969, em Essex, na Inglaterra, por Steve Marriott, ex vocalista da banda The Small Faces, e Peter Frampton, ex guitarrista da banda The Herd. Completavam a formação Greg Ridley no baixo e Jerry Shirley na bateria.

O som da Humble Pie era uma mistura de RocknRoll e blues, com uma energia crua e potente. A banda logo ganhou fama por suas performances ao vivo, que eram intensas e empolgantes.

Em 1969, a Humble Pie lançou seu primeiro álbum, "As Safe As Yesterday Is", que incluía covers de músicas de blues e rock, além de algumas composições próprias. O álbum foi bem recebido pela crítica e pelos fãs, e os reconheceu como uma das bandas de rock mais promissoras da época.

O segundo álbum da banda, "Town and Country", lançado em 1970, foi um sucesso ainda maior, com um som mais refinado e bem produzido. A banda continua a evoluir em direção a um som mais pesado e elétrico, com o lançamento do terceiro álbum, "Rock On", em 1971.

Problemas pessoais e disputas entre gravadoras impediram a banda de atingir sucesso em massa, e Frampton deixou o Humble Pie em 1971 para iniciar uma carreira solo.

Com Dave Clempson substituindo Frampton, o Humble Pie foi para um som ainda mais pesado, firmado nas raízes blues e soul de Marriott, mas ainda assim foi incapaz de chegar ao grande público.

Em 1972, eles lançaram o álbum "Smokin'", que é considerado por muitos fãs como seu melhor trabalho. O álbum incluía músicas como "30 Days in the Hole" e "I Don't Need No Doctor", que se tornaram clássicos do rock. O som da banda era agora ainda mais poderoso e enérgico, com riffs de guitarra memoráveis e vocais intensos de Marriott.

Infelizmente, a Humble Pie nunca alcançou o mesmo nível de sucesso comercial de outras bandas de rock da época, como Led Zeppelin ou The Who. Isso se deve em parte à sua falta de foco em criar singles de sucesso, mas também pode ser atribuído à sua confiança como uma banda de rock ao vivo, que era melhor em um show ao vivo do que em um disco.

Mudanças constantes em sua formação impediram a banda de atingir seu potencial completo, embora eles tenham continuado gravando e se apresentando até 1976.

Ainda assim, a Humble Pie teve um impacto significativo na história do RocknRoll, influenciando bandas posteriores como o Black Crowes e o Gov't Mule. A banda também é lembrada por sua energia ao vivo, que inspirou muitos fãs de rock a começar suas próprias bandas.

Em 1991, Steve Marriott morreu em um incêndio em sua casa, encerrando definitivamente a carreira de Humble Pie. Mas o legado da banda vive até hoje, graças à sua música e sua influência no mundo do RocknRoll

Em resumo, a Humble Pie foi uma das bandas de rock mais subestimadas da década de 1970, mas sua música e energia ao vivo continuam a inspirar fãs de rock de todas as idades.

Se você ainda não conhece o som da Humble Pie, é hora de descobrir o que está perdendo.

JACK WHITE

Jack White em "It Might Get Loud" mostra sua importância para o rock

Jack White é um músico, produtor e compositor americano conhecido por seu trabalho solo e com as bandas The White Stripes, The Raconteurs e The Dead Weather.

Nascido em 9 de julho de 1975 em Detroit, Michigan, White é uma figura central do rock alternativo e do blues rock, e é amplamente reconhecido por sua habilidade em tocar guitarra, piano e bateria.

White começou sua carreira musical como baterista, tocando em diversas bandas locais em Detroit. No entanto, foi com a formação da dupla The White Stripes em 1997, ao lado de sua então esposa Meg White, que ganhou destaque nacional e internacional.

A banda se destacou pelo seu som cru e minimalista, baseado em riffs de guitarra, bateria e vocais energéticos. O sucesso comercial de White Stripes rendeu a Jack White diversos prêmios e aclamação da crítica, incluindo sete Grammys.

Jack White: O músico versátil e inovador

Lançado em 2008, o documentário "It Might Get Loud" reúne três grandes guitarristas: Jack White, Jimmy Page (Led Zeppelin) e The Edge (U2), explorando suas histórias musicais, influências e estilos de tocar guitarra.

No documentário, Jack White fala sobre sua paixão pela música e pela guitarra, discutindo seu processo criativo e técnico, bem como sua filosofia de trabalho. Ele também mostra algumas de suas técnicas de guitarra, incluindo seu uso de acordes abertos e criação de riffs usando apenas uma corda.

A participação de Jack White em "It Might Get Loud" é uma prova de sua importância e influência na música contemporânea, e também destaca sua abordagem única e inovadora para a guitarra e a música em geral.

Um aspecto notável da carreira de Jack White é sua habilidade em produzir e colaborar com outros artistas. Ele produziu álbuns para artistas como Loretta Lynn, Wanda Jackson e Neil Young, e colaborou com artistas como Alicia Keys, Beck e Danger Mouse.

DEREK TRUCKS e SUSAN TADESCHI

Derek, guitarrista excepcional, e Susan, cantora de voz poderosa

Derek Trucks e Susan Tedeschi são dois músicos talentosos que, juntos, formam um casal perfeito na música e na vida pessoal.

Derek, um guitarrista de slide excepcional, e Susan, uma cantora de blues e soul de voz poderosa, têm trabalhado juntos em vários projetos ao longo dos anos, incluindo o Tedeschi Trucks Band, uma banda que funde blues, rock e soul em uma mistura única e envolvente.

Derek nasceu em Jacksonville, na Flórida, em 1979, e começou a tocar guitarra aos nove anos de idade. Ele cresceu em uma família de músicos - seu tio era o lendário guitarrista de slide Duane Allman, do Allman Brothers Band, e sua mãe era uma cantora de jazz.

Derek começou a tocar profissionalmente ainda adolescente, e rapidamente ganhou fama como um dos melhores guitarristas de slide do mundo.

Susan nasceu em Boston, Massachusetts, em 1970, e começou a cantar em clubes de blues locais quando ainda era adolescente.

Ela se mudou para Nova York na década de 1990 e começou a tocar com várias bandas de blues e soul, antes de lançar seu primeiro álbum solo, "Just Won't Burn", em 1998.

O álbum foi um sucesso crítico e comercial, e Susan rapidamente se tornou uma das cantoras de blues e soul mais respeitadas do mundo.

Em 2010, Tedeschi tocou no Hendrix Experience, um show comemorativo em homenagem a Jimi Hendrix, que aconteceu no Hollywood Bowl em Los Angeles, Califórnia.

O Hendrix Experience foi organizado por Eddie Kramer, que foi o engenheiro de som de Hendrix, e contou com uma grande variedade de artistas interpretando músicas de Hendrix.

Você pode conferir no site experiencehendrixtour.com

Tedeschi tocou a música "Spanish Castle Magic" no Hendrix Experience, e sua performance foi muito elogiada pela crítica e pelos fãs. Ela mostrou sua habilidade na guitarra e sua voz poderosa, que combinavam perfeitamente com a música de Hendrix.

Ele é conhecido por seu estilo de tocar slide guitar e já tocou com diversos artistas, incluindo Eric Clapton.

Trucks tocou com Clapton em várias ocasiões, incluindo na turnê mundial de Clapton em 2006 e 2007. Em 2010, Trucks juntou-se a Clapton novamente para a Crossroads Guitar Festival, um festival de música organizado por Clapton que contou com uma variedade de artistas de blues e rock.

HAIM

Haim já tocou nos festivais Coachella, Glastonbury e Lollapalooza

Banda da Califórnia formada pelas irmãs Danielle Haim (28 anos, guitarra e voz principal), Este Haim (31 anos, baixo e Alana Haim (25 anos, teclado), tanto Este e Alana também fazem voz principal em algumas músicas.

O pai das meninas era baterista e desde pequenas ele sentavam na bateria com elas no colo para ensinar ritmo, empolgado ele deu um instrumento para cada uma e formaram a banda da família com o nome de RockinHaim.

No início a banda tocava cover de clássicos do rock, rapidinho as meninas começaram a compor, as músicas eram baseadas em levada bem percussivas devido a influência da bateria do pai.

Em 2006 a banda passou a se chamar apenas Haim e fizeram participações em shows de roqueiros como Jenny Lewis e Dawes, Florence and the Machine, Mumford & Sons. No final de 2013 lançaram o álbum Days Are Gone.

Desde então, a banda lançou mais dois álbuns, "Something to Tell You" em 2017 e "Women in Music Pt. III" em 2020.

Ambos foram bem recebidos pela crítica e pelos fãs, apresentando uma evolução no som da banda. O terceiro álbum, em particular, recebeu elogios por sua abordagem mais experimental, incorporando elementos de jazz, hip hop e música country.

Além de seu sucesso musical, a banda é conhecida por suas ótimas performances ao vivo, que levou elas a tocarem em vários festivais importantes, incluindo Coachella, Glastonbury e Lollapalooza.

KEEF HARTLEY

Músico britânico Keef Hartley fez parte da cena Rock dos anos 60 e 70

A carreira de Keef Hartley começou como um substituto do baterista Ringo Starr para o Rory Storm and the Hurricanes, uma banda de Liverpool.

Keef Hartley é um músico de rock e blues britânico que fez parte da cena musical dos anos 60 e 70. Ele é mais conhecido por sua participação na banda The Keef Hartley Band, que foi formada em 1968 e que se destacou por sua fusão única de rock, blues e jazz.

Keef Hartley começou sua carreira musical como baterista de blues e jazz. Ele tocou com várias bandas importantes no início dos anos 60, incluindo a banda de jazz de Johnny Burch, o grupo de blues de Art Wood e a banda de Alexis Korner.

Em 1965, Hartley se juntou à banda de John Mayall, Bluesbreakers. Ele tocou bateria em dois álbuns de Mayall, incluindo "Bare Wires" e "Blues from Laurel Canyon", antes de sair da banda em 1967 para formar sua própria banda, The Keef Hartley Band.

A primeira formação da banda incluía músicos como Miller Anderson na guitarra e vocal, Gary Thain no baixo, e Mick Weaver nos teclados. Eles gravaram seu álbum de estreia, "Halfbreed", em 1969, que apresentava uma mistura única de blues, rock e jazz.

O segundo álbum da banda, "The Battle of North West Six", foi lançado em 1970 e apresentava uma mudança de direção musical para um som mais pesado e psicodélico. O álbum também incluía a participação do guitarrista britânico Jimi Hendrix, que tocou em uma faixa chamada "Believe in You".

Ao longo dos anos 70, a banda de Keef Hartley lançou vários álbuns e fez várias turnês. No entanto, eles nunca alcançaram o mesmo nível de sucesso comercial que outras bandas de rock da época. A banda se dissolveu em 1973, depois que Hartley se mudou para os Estados Unidos.

Apesar de sua falta de sucesso comercial, a música de Keef Hartley e sua banda teve uma grande influência na cena do rock e do blues dos anos 60 e 70. Sua mistura única de blues, rock e jazz ajudou a pavimentar o caminho para bandas posteriores como Traffic, Cream e Led Zeppelin.

Hoje, a música de Keef Hartley é lembrada como um marco importante na história do rock e do blues. Seus álbuns e performances ao vivo são altamente valorizados por fãs de música em todo o mundo.

NAZARETH

Nazareth é reconhecida como uma das mais influentes do rock 70s

A Nazareth é uma banda de rock escocesa que surgiu na cidade de Dunfermline, em 1968.

Com mais de 50 anos de história, a banda é reconhecida como uma das mais influentes do rock dos anos 70, com sucessos como "Love Hurts" e " Hair of the Dog".

Neste artigo, exploraremos a história de Nazareth, sua discografia e sua contribuição para a música.

História da Nazaré

A formação original da Nazareth consistia em Dan McCafferty (vocais), Manny Charlton (guitarra), Pete Agnew (baixo) e Darrell Sweet (bateria). O nome da banda foi inspirado em sua cidade natal, que por sua vez foi nomeado em homenagem à cidade bíblica de Nazaré.

Em 1971, a Nazareth lançou seu primeiro álbum, intitulado "Nazareth". Embora tenha recebido críticas erradas, o álbum atraiu a atenção da imprensa musical e estabeleceu a banda como uma força a ser conhecida no cenário do rock britânico.

O sucesso comercial da Nazareth começou com o lançamento do álbum "Razamanaz" em 1973. O álbum apresentou o single "Broken Down Angel", que chegou ao top 10 das paradas britânicas. O sucesso contínuo com o álbum seguinte, "Loud 'n' Proud", que apresentava a música "This Flight Tonight".

Em 1975, a Nazareth lançou "Hair of the Dog", que se tornou um dos álbuns mais bem-sucedidos da banda. O álbum apresentou o hit "Love Hurts", que chegou ao topo das paradas em vários países, incluindo os Estados Unidos.

Nos anos seguintes, a Nazareth continuou a lançar álbuns consistentes, incluindo "Close Enough for Rock 'n' Roll" (1976), "Expect No Mercy" (1977) e "No Mean City" (1979). No entanto, a banda começou a experimentar dificuldades em termos de vendas de discotecas na década de 1980.

Em 1982, a Nazareth lançou um álbum de covers intitulado "Snaz", que incluía uma versão de "Telegram" do Genesis. O álbum não teve grande sucesso comercial, mas ajudou a manter uma banda relevante no cenário do rock.

A Nazareth continuous a se apresentar e lançar álbuns nas décadas seguintes. Em 1994, a banda gravou uma versão de "Crazy", de Willie Nelson, para o álbum tributo "Common Thread: The Songs of the Eagles". Em 2014, a banda lançou seu último álbum de estúdio, intitulado "Rock 'n' Roll Telephone".

Contribuição para a música

A Nazareth é conhecida por seu som pesado de guitarra e pelos vocais distintos de Dan McCafferty. A banda influenciou muitos artistas do rock, incluindo Guns N' Roses, que registrou uma versão de "Hair of the Dog" em 1993.

Embora a Nazareth não seja frequentemente mencionada entre as maiores bandas do rock, sua contribuição para o gênero é significativa. A banda ajudou a definir o som do hard rock dos anos 70 e influenciou várias bandas.

ANTILLECTUAL banda holandesa

Antillectual um estilo de música enérgico e socialmente consciente

Antillectual lança seu novo single "From City to City" e oferece seu novo álbum "Together" como pré venda. A música lida com sentimentos de conexão e desconexão ao viajar por um mundo globalizado. A pré encomenda do novo single e do álbum está disponível no site deles.

Onde a vida da banda e o pensamento crítico se encontram. A vantagem de um mundo globalizado é que existem “grandes mentes pensando igual” do outro lado do mundo.

Uma desvantagem é que você pode estar fora de contato com as pessoas ao seu redor. "From City to City" é sobre se sentir conectado com as pessoas que você conhece em uma turnê do outro lado do mundo, enquanto se sente desconectado das pessoas que vivem ao virar da esquina.

Mesmo que os oceanos nos mantenham separados, as ilhas em que vivemos estão conectadas. Bogotá, na Colômbia, às vezes parece mais próxima do que Groesbeek.

O videoclipe de "From City to City" foi filmado pelo público em várias cidades na recente turnê do Antillectual. "Together" é o primeiro álbum completo da banda em 7 anos.

As pré venda já começaram, o álbum será lançado em 2 de maio.

Antillectual da Holanda toca um estilo de música enérgico e socialmente consciente.

Criando sua própria mistura única de melodia e urgência, enquanto carregam a tocha do punk rock europeu em todo o mundo.

DAVE HOLE

Dave Hole treinava com álbuns de Clapton, Hendrix e Robert Johnson

Dave Hole nasceu em Heswall, Cheshire, Inglaterra, e sua família mudou-se para Perth, Austrália Ocidental, quando ele tinha quatro anos. Ele ficou interessado em blues aos nove anos de idade.

Ganhou sua primeira guitarra aos doze anos, tornou-se autodidata devido à falta de professores de violão onde morava, ele treinava com os álbuns de Eric Clapton, Jimi Hendrix, Robert Johnson e Elmore James.

Na adolescência, já era um músico experiente, tocando em bandas locais de Perth. Foi em um desses grupos que ele conheceu o guitarrista de blues, John Meyer, que acabou por ser uma grande influência em seu estilo de tocar guitarra.

Aos 21 anos, Dave decidiu abandonar sua carreira em engenharia para se dedicar à música em tempo integral.

Dave Hole é canhoto e, depois de quebrar um dedo em um acidente de futebol, ele passou a tocar a guitarra com a mão direita, colocando o slide no dedo indicador e apoiava a sua mão sobre a parte superior do braço da guitarra. Após a cura, manteve o estilo de tocar e nunca mudou de volta.

MAIDAVALE quarteto feminino da Suécia

MaidaVale tem seu som baseado na psicodelia dos anos 60 e 70

A banda sueca MaidaVale formada em 2013, é um quarteto feminino, e a banda mais importante da nova geração do rock psicodélico e experimental. A banda é conhecida por sua musicalidade e a conexão elétrica entre músicos e o público.

São claras as influências da banda MaidaVale, elas criaram um som baseado na cena musical do final dos anos 60 e início dos anos 70.

Elas lançaram Tales of the Wicked West em 2016, que foi recebido de braços abertos e os lançou como uma das bandas mais promissoras da cena do rock. Desde então, eles tiveram uma agenda cheia de turnês pela Europa.

Em seu segundo álbum, Madness Is Too Pure, lançado no início de 2018 e produzido por Jari Haapalainen, o MaidaVale seguiu com um som ainda mais experimental e dinâmico que confirmou seu lugar na cena do rock psicodélico.

A banda foi indicada ao prêmio de música sueca “P3 Guld” na categoria rock/ metal no mesmo ano.

Os MaidaVale são Sofia Ström na guitarra, Matilda Roth no vocal, Johanna Hansson na bateria e Linn Johannesson no baixo.

No primeiro vídeo da postagem são 45 minutos de puro psicodelismos e rock progressivo, o concerto ao vivo foi no Slaktkyrkan em 2018 em Estocolmo.

O segundo vídeo da música Dark Clouds, a guitarrista Sofia Ström demonstra uma sonoridade típica de um guitarrista de rock progressivo.

Site da banda: maidavaleband.com

RY COODER

Ry Cooder hoje aos 75 anos, guitarrista e compositor norte-americano

Ry Cooder: A Lenda do Rock Eclético

Hoje, gostaria de homenagear um verdadeiro ícone do rock e da música em geral: Ry Cooder. Aos 75 anos, esse talentoso guitarrista e compositor norte-americano continua a encantar os fãs de todos os estilos musicais, com sua habilidade incomparável e sua paixão pela criação de sons cativantes.

A carreira de Cooder é repleta de diversidade musical. Ele tem o incrível dom de transitar perfeitamente entre gêneros como blues, rock'n'Roll, folk, música instrumental, Rhythm and Blues e Gospel. Sua versatilidade é uma das características que o tornam tão especial.

O mestre no Slide guitar

Um dos talentos mais notáveis de Cooder é sua habilidade com o slide guitar. Sua técnica é simplesmente impressionante e ele a utiliza para criar paisagens sonoras únicas e emocionantes.

Seu trabalho com o slide guitar pode ser ouvido em muitas trilhas sonoras de filmes marcantes, como "Paris, Texas", "The Border" e sua participação no filme "Crossroads" de 1986.

Vale ressaltar que, na famosa cena de duelo com o Diabo no filme, as dedilhadas do personagem de Ralph Macchio foram dubladas por ele, destacando ainda mais seu talento e contribuição para a música no cinema.

Premiações e contribuições no cinema

Além de suas contribuições para o mundo do cinema, Cooder também compôs trilhas sonoras para documentários e filmes de ficção científica.

Sua participação no documentário de 2010, "The Wild Parrots of Telegraph Hill", e no icônico "Blade Runner" são exemplos brilhantes de sua versatilidade e habilidade em criar músicas que complementam perfeitamente a narrativa audiovisual.

A influência e o talento de Cooder não passaram despercebidos pelos críticos e pela indústria da música.

Ele foi indicado várias vezes ao Grammy Awards e venceu três vezes, incluindo o prêmio de Melhor Álbum de World Music em 1997 por seu aclamado álbum "Buena Vista Social Club".

Além disso, em 2007, Cooder recebeu o prestigioso Prêmio de Serviços de Música da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, reconhecendo seu trabalho excepcional como compositor.

Hoje, celebramos a carreira de Ry Cooder e sua contribuição para o mundo da música. Sua versatilidade, talento e paixão são uma inspiração para músicos e fãs em todo o mundo.

Que sua jornada musical continue a nos proporcionar emoções e através de suas músicas por muitos anos vindouros. Rock on, Ry Cooder!

BLACKBERRY SMOKE

Blackberry Smoke tocou por todo o mundo e 500 shows em estados dos EUA

Blackberry Smoke é uma banda americana de country rock, que foi formada em 2000 na cidade de Atlanta, Geórgia. Desde então, eles têm tocado em todos os cantos do mundo, incluindo mais de 500 shows em todos os 50 estados dos EUA.

Formada por Charlie Starr nos vocais e guitarra, Richard Turner no baixo e vocais, Brit Turner na bateria, Paul Jackson na guitarra e vocais e Brandon Ainda nos teclados.

Eles fizeram abertura de shows de artistas como ZZ Top e Lynyrd Skynyrd. Com quatro discos de estúdio e um ao vivo, começa fazer shows de apresentações como a banda principal, tendo ótimo retorno do público.

O álbum de estreia da banda, " Bad Luck Ain't No Crime ", foi lançado em 2003 e foi bem recebido pela crítica. Desde então, eles fizeram mais 11 lançamentos, incluindo o seu último, You Hear Georgia em 2021.

O Washington Post os proclamou "uma banda que pode recuperar Southern Rock para o Sul", e o Atlanta Journal Constitution, declarou: "O quinteto Atlanta é o negócio real."

Billboard elogiou suas "baladas épicas" e A New Orleans Times- Picayune os chamou de "uma banda hermética que é muito mais inteligente e mais sofisticados do que os observadores casuais podem perceber.

THE RAMONES

The Ramones banda de punk rock americana formada em 1974 em New York

Punk rock é um movimento musical e cultural que surgiu em meados da década de 1970, que tem como principais características músicas simples (que geralmente não passam de três ou quatro acordes), rápidas e agressivas.

Normalmente abordam ideais anarquistas ou sobre problemas políticos e sociais como o desemprego, a guerra, a violência, ou em outros casos, letras com menos conteúdo político e social, como relacionamentos, diversão, sexo, drogas e temas do cotidiano.

O maior representante deste movimento é The Ramones, banda de punk rock americana formada em 1974 em Forest Hills, Queens, Nova York.

O grupo está entre os pioneiros do punk rock e influenciou bandas de punk e rock alternativo. Os quatro membros originais da banda eram Joey Ramone, Johnny Ramone, Dee Dee Ramone e Tommy Ramone, com Marky Ramone entrando mais tarde.

O som do Ramones é conhecido por sua simplicidade, com a maioria das músicas com apenas três acordes. O estilo da banda foi fortemente influenciado por grupos de RocknRoll de garagem dos anos 1960, mas também por músicos de vanguarda como Captain Beefheart e The Velvet Underground.

The Ramones foi pioneiro do punk rock, criando a "forma sonora" do gênero e influenciando bandas como o The Clash, Blink-182, Foo Fighters e o Green Day.

Eles se tornaram cada vez mais popular nos Estados Unidos durante a década de 1970, e começou a se apresentar em lugares como o CBGB em Nova York.

Em 1976, a banda lançou seu álbum de estreia, denominado Ramones, que foi muito bem recebido pela crítica. O álbum definiu o som do punk rock e foi seguido por seis álbuns mais ao longo da década.

A banda também foi pioneira no tour de punk rock, realizando turnês nacionais e internacionais. Embora o grupo tenha se separado em 1996, seu legado continua vivo.

O Ramones foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame em 2002 e também foi homenageado com um tributo da MTV em 2004.